Hyakudan Kaidan
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Acerca de Hyakudan Kaidan

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A menudo, el antiguo Gajoen se conoce como un «gran almacén de ornamentación» o un palacio del Rey Dragón de la era Shōwa. Tokio se recuperaba del devastador terremoto cuando se fundó el antiguo Gajoen en 1931. Las casas eran estrechas y apenas provistas con electricidad y agua corriente. Lo que significa que la gente común tuvo que soportar una vida precaria. En tal situación, eran limitadas las decoraciones del hogar disponibles para la gente común. El antiguo Gajoen debió ser un país de hadas para esas personas, donde podían tocar y ver sus sueños y fantasías en este mundo real.
El fundador comenzó su negocio como un restaurante japonés de primera clase. Después, construyó un anexo que contenía salas de banquetes, habitaciones para huéspedes, un santuario, una iglesia, un vestuario, un salón de belleza y un estudio fotográfico para crear el primer complejo de bodas «todo en uno».
Tuvimos que derribar parte del antiguo Gajoen debido al ensanchamiento del río Meguro en 1988. La mayoría de las obras de arte se retiraron del edificio y se reacomodaron en el nuevo edificio. Hoy en día, solo la Hyakudan Kaidan y algunas salas de los antiguos edificios de Gajoen todavía existen. En la actualidad, son consideradas como uno de los bienes culturales de Japón. La Hyakudan Kaidan se ha designado como «propiedad cultural tangible del área metropolitana de Tokio» en 2009.

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La sala Jippo Icon 360

La sala Jippo lleva el nombre de Araki Jippo, el gran pintor que dibujó las obras de arte en la cámara. Jippo nació en la prefectura de Nagasaki en 1872 y se convirtió en alumno y luego hijo adoptivo de Araki Kampo. Durante su carrera artística, Jippo recibió el premio de plata en la exposición de la Sociedad Japonesa de Arte que se celebró en 1905. Luego se convirtió en juez de la exposición de arte que patrocinaba el Ministerio de Educación llamada Bunten (a partir de la segunda exposición que se celebró en 1910 y en adelante) y luego fue nominado para ser miembro de la Academia Imperial de las Artes en 1924. A nivel mundial, Jippo se conoce por sus contribuciones en la difusión de pinturas japonesas al extranjero mediante la presentación de su obra en la Exposición Universal de San Luis en 1904, al ganar el premio de oro en la exposición anglojaponesa que se celebró en Londres en 1910, además de presentar de manera activa exposiciones de arte japonés en China y otros países. En esta cámara, se dibujaron cuatro estaciones de flores y aves de Jippo en los 23 planos de placas de espejo parcialmente adaptadas a las puertas correderas («fusuma»), que constan de ocho placas en el techo de la sala frontal y quince placas en la sala principal. En sus últimos años, los dibujos de Jippo se inspiraron más en los tonos negros, tal y como se observa dicha influencia en esta sala y en las pinturas con pincel de tinta.

La estructura en forma de celosía se conoce como «techo artesonado» y encontrará que se han decorado minuciosamente las partes de celosía en accesorios de metal con flores de esmalte, que se crearon mediante una técnica llamada esmalte alveolado. Las obras de esmalte alveolado o shippo-yaki en japonés, generalmente se hacían para la exportación en la época en que se construyó el Gajoen y, aunque eran muy valiosas, no se veían a menudo en Japón. Sin embargo, el techo de esta cámara se encuentra decorado con más de 750 objetos de este tipo.

Otra característica de esta cámara es la obra de nácar que se puede apreciar en las vigas del techo y en otros elementos estructurales. El nácar es conocido como raden en japonés y se obtiene al cortar la superficie interna y brillante de las ostras y otros mariscos, que luego se reducen al patrón deseado e incrustan como decoración.
En esta sala se lacaron y pulieron las conchas con carbón vegetal. La obra de nácar se encuentra en todo el Hotel Gajoen Tokyo y se considera una característica de la decoración del hotel. Encontrará ejemplos brillantes de rollwerk si busca en las vigas y alrededor de la parte superior de las paredes ligeramente por debajo de los techos.

El nicho de madera en el lado izquierdo se llama Araragi; otro nombre es «Ichi-i» (primer rango). La antigüedad de la madera es de aproximadamente 200 años y el diámetro es de unos 45 cm. Antes de aplicar el brillo, las ramas se cortan, redondean y pulen para expresar la belleza de la corteza original. El nombre «Ichi-i» proviene del siguiente episodio: érase una vez un emperador a quien se le regalo como tributo una vara hecha de esta madera y, al estar bastante contento con el regalo, le dio a la vara el rango más alto de «Shou-ichi-i».
El pilar del lado derecho es de un árbol de leguminosas llamado «Pau Brasil». Como su nombre lo indica, la madera se importó de América Latina. Japón importaba algodón de Brasil desde mediados de la década de 1920 hasta mediados de la década de 1930 y, ya que el algodón era ligero, se colocaban enormes trozos de madera en la parte inferior del barco como contrapeso. Se dice que Rikizo Hosokawa miró los trozos de madera y los compró únicamente para utilizarlos en la construcción del Gajoen. En ese momento, determinados tipos de madera como el ébano, el palisandro y el palisandro de la India se consideraban preciosas maderas duras importadas. Se dice que un comerciante de madera le pidió a Rikizo Hosokawa que comprara excedentes de América Latina antes de que se derrumbaran los precios de los materiales de construcción debido a las grandes cantidades de maderas similares que se importan de la misma región. De esta manera, Meguro Gajoen adoptó una gran cantidad de maderas latinoamericanas. A pesar de que esta importación tuvo lugar por un tiempo limitado a medida que cambiaba la situación mundial.

Las puertas correderas o «shoji» contra las paredes. El estilo de los marcos se conoce como «hishigumi kumiko», que se refiere al patrón de la hoja de cáñamo dispuesto geométricamente. La luz que pasa a través de las shoji cambia sutilmente a una luz brillante cuando alguien camina delante de ellas, lo que proyecta una sombra y le otorga una belleza realmente indescriptible.

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La sala Gyosho Icon 360

En la Gyoshō-no-ma encontrará tallas en todas partes, desde los pilares, hasta las paredes y techos. Muchas de las cámaras que conducen a la Hyakudan Kaidan llevan el nombre de los artistas involucrados en crear su decoración, pero esta cámara lleva el nombre de un famoso tema chino titulado «El diálogo del pescador y el leñador» y las tallas en los pilares representan ese cuento.

El pilar de la izquierda representa al pescador, mientras que el pilar de la derecha representa al leñador. Cada elemento de cada escultura contrasta un elemento en el otro: el río contra la montaña, la primavera contra el otoño, el pescador sentado contra el leñador de pie. Originalmente, el pescador y el leñador representaban el anhelo por la riqueza espiritual que se encontraba al llevar una vida tranquila y deliberada rodeada de naturaleza. En Japón, se cree que la historia posiblemente haya sido el origen de las leyendas sobre las cataratas de Yoro y Urashima Tarō.

Ambos pilares se hicieron a partir de piezas únicas de falso ciprés hinoki de casi trescientos años de antigüedad. Todas las esculturas en esta cámara se tallaron por el escultor Horei Sakari y se inspiraron en pinturas de Chikuha Otake. Las únicas pinturas comunes en la cámara se encuentran en las paredes del centro del nicho y a la izquierda y derecha de los pilares. Estas son obras bijin-ga de un pintor de la prefectura de Yamagata llamado Kashu Kikuchi.
(Continúa en la siguiente página).

Eche un vistazo a los paneles en la parte superior de las paredes. Estos paneles se denominan «ranma» y representan las «gosekku», las cinco ceremonias que se celebraban en la corte de la era Heian.
Hablemos un poco sobre las gosekku mientras vemos las obras. La primera ceremonia se representa justo encima del nicho y tuvo lugar el séptimo día del nuevo año lunar (el primer día del año de la rata), un día llamado «jinjitsu». Aquí vemos que los asistentes sostienen pequeños pinos con raíces mientras oran por la longevidad y recogen verduras tiernas.
A la derecha, se representa un festival en el ranma de la pared. Este día se denominó «joshi» y tuvo lugar el tercer día del tercer mes lunar. Aquí se pintó el festival del melocotón que se celebró con motivo del Hina-matsuri o el Día de las Niñas.
A ambos lados del nicho hay escenas que representan la tercera ceremonia, «tango», que se celebró el quinto día del quinto mes lunar.
La cuarta ceremonia es «Tanabata» que se celebra el séptimo día del séptimo mes lunar y se representa en el ranma de la pared opuesta al nicho. Durante este festival, las mujeres nobles darían ofrendas a los dioses Orihime y Hikoboshi, quemarían incienso, tocarían música y disfrutarían de la poesía.
Pedirían deseos escritos en poemas sobre las hojas del papel de morera, que se habían considerado sagradas desde la antigüedad.
Por último, en el ranma cerca de la entrada a la cámara se representa la ceremonia en el noveno día del noveno mes lunar, «chōyō», cuando la gente disfrutaba del sake que se servía con flores de crisantemo y oraba por largas vidas.

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La sala Soukyu Icon 360

La Sōkyū-no-ma era muy popular para las reuniones de la tarde, donde se puede ver el monte Fuji cuando el cielo está despejado. Continúe en la cámara y eche un vistazo a las pinturas del ranma, que es obra del artista Sōkyū Isobe.
Originalmente, esta cámara se separó en dos (cámara frontal y cámara principal) y las pinturas del ranma en las dos cámaras eran diferentes, con vistas de primer plano de las pinturas en la cámara frontal y vistas lejanas en la cámara principal.

La pared de la antigua cámara frontal se encuentra pintada con un frondoso pino en el corazón de una escena frente al mar. Se dice que las poderosas pinceladas que se utilizaron para expresar las ramas del pino han caracterizado las obras de Sōkyū. Los paisajes de campo y mar en la cámara principal crean una sensación panorámica. También vemos el paso del año en los paisajes, desde los ricos campos verdes y arrozales, hasta la cosecha de arroz de otoño y el suelo cubierto de nieve en invierno.

Mire hacia el techo, donde notará que las pinturas en la cámara frontal y en la cámara principal se hicieron con diferentes temas. Ambos lados se construyeron con un estilo de techo artesonado tipo celosía, pero en la cámara frontal encontramos flores, mientras que en la cámara principal encontramos aves.
Las aves se pintaron con especial atención a los detalles e, incluso ahora, sus formas intensas parecen a punto de volar desde el techo.

Los pilares son de madera de sófora china. En la antigua China, se plantaba una sófora en el jardín cuando se aumentaba el rango de una persona en la corte, por lo que se dice que ha sido un símbolo de estatus, ya que cuanto mayor sea el número de árboles, mayor será el rango de la persona.
La costumbre en Japón era hacer máscaras de demonios con madera de sófora para que sirvieran como amuletos contra el mal y, en diferentes regiones del país, se dice que el árbol ha sido un símbolo de la suerte para un parto fácil o una larga vida.

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La sala Seisui Icon 360

Si bien las demás cámaras son bastante espaciosas, con una superficie de alrededor de 77 metros cuadrados, a partir de la Seisui-no-ma y hacia arriba, las cámaras se dividen en dos salas, cada una de aproximadamente 20 metros cuadrados. Esta cámara lleva el nombre del pintor nacido en Hiroshima, Seisui Hashimoto, pero en realidad las pinturas en su interior son obra de cinco artistas diferentes. Los documentos demuestran que la obra de Shūhō Yamakawa también adornó las paredes de esta sala, pero en algún momento, las pinturas se cambiaron y se convirtió en la Seisui-no-ma.
En el techo de la antecámara, justo en la entrada de la sala, se encuentran pinturas de aves y flores de Seisui, que se representan dentro de formas de abanicos de papel con colores espectaculares.

En el techo de la sala más lejana, encontramos fénix chinos, grullas danzantes y otras imágenes auspiciosas pintadas por el artista Shūho Ikegami. Las pinturas del ranma son de Taigetsu Koyama, quien representó las plantas de otoño con pan de oro.

El pilar en el nicho está hecho de un tronco sin cuadrar de «Phellodendron amurense». En la antecámara, el pilar está hecho de un tipo de pino en el que las raíces de cada rama todavía se pueden ver, lo que le da aún más profundidad. La conexión entre la forma compleja del pilar y la viga cuadrada ilustra el gran talento del artesano que la elaboró.

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La sala Seikou Icon 360

La decoración de la Seikō-no-ma es obra del pintor de Kioto, Seikō Itakura, especialista en el género de pintura llamado bijin-ga o «retratos de mujeres hermosas». El artista proporcionó a la sala un tema basado en las estaciones del año. Las frutas auspiciosas, como la sandía y el caqui, se pintan en el ranma de la antecámara, donde también podemos ver grillos y mantis. El ranma en la siguiente sala representa alimentos de la temporada, como el ayu, la platija y los brotes de bambú.

En el techo de la segunda sala, titulada «Cestas de flores de las cuatro estaciones», vemos cestas llenas de flores de cada estación, con flores de cerezo para la primavera, iris y hortensias para el verano, crisantemos para el otoño y peonías para el invierno. Lo que hace que estas pinturas sean muy especiales es el hecho de que se pintaron con pigmentos a base de minerales muy duraderos, por lo que incluso ahora, años después de que se pintaron, los colores son mucho más vivos que los que se ven en las demás cámaras.

La Seikō-no-ma tiene el techo más bajo de las cámaras en la Hyakudan Kaidan. Todos los pilares y las vigas son trozos de madera sin cuadrar y todas las pinturas del ranma son de poca altura con esquinas redondeadas, lo que ayuda a mitigar el agobio de los techos más bajos. La imaginería familiar y la cuidadosa atención de los artesanos que construyeron la sala se combinan para crear un espacio que ofrece una verdadera comodidad.

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La sala Kiyokata Icon 360

Esta sala fue obra del maestro de Nihon-ga moderno, Kiyokata Kaburagi. El término Nihon-ga literalmente significa «pinturas de estilo japonés».
Comencemos con las pinturas del ranma. En la cámara principal hay cuatro obras tituladas «Mujeres hermosas de las cuatro estaciones». Por encima del nicho, vemos una escena de una obra kabuki llamada Musume-dōjō-ji, que tiene lugar en la primavera bajo las flores de cerezo. A su izquierda, hay una escena de personajes que atrapan luciérnagas y el ranma, aún más a la izquierda, representa la tristeza de otoño. La imagen final representa a una mujer que camina a través de la nieve del invierno. Todas estas obras maestras demuestran el talento de Kiyokata como pintor de bijin-ga.

Una mirada más cercana a las obras en la antecámara.
Kiyokata amaba los restos de la elegancia de la era Edo que se podían encontrar en los alrededores de Meguro y, al parecer, a menudo los incorporó como temas en su obra. Aquí tenemos algunos ejemplos de obras relacionadas a Meguro.
Primero, hay dos pinturas de ranma encima de los estantes. La de la derecha representa a Gyōninzaka, la colina que todavía existe desde la estación de Meguro hasta este hotel, donde también se incluyen imágenes de brotes de bambú, un producto por el cual Meguro era famoso.

La pintura de la izquierda representa a Shirai Gonpachi, el personaje principal de una obra kabuki, vestido con un kimono de color lavanda. La obra cuenta la historia de amor de un hombre llamado Gonpachi y una cortesana de Yoshiwara llamada Komurasaki, un cuento que gozó de gran popularidad y se representó en muchas obras de arte. Shirai Gonpachi era una persona real y se puede encontrar un monumento de piedra a su memoria en el templo Ryūsen-ji, un templo dedicado a la deidad budista, Acala, conocido en japonés como Fudō Myō-ō. Se dice que los iris morados que florecen a los pies de Gonpachi en esta pintura simbolizan su amor por Komurasaki, un nombre que significa «pequeña morada».
Ahora, mire hacia los estantes y luego gire a la izquierda para mirar las pinturas de ranma en la pared. A partir de la obra de la izquierda, vemos a un joven Yūten, el fundador del templo Yūten-ji, en una escena que representa la leyenda de Fudō Myō-ō que aparece ante Yūten en un sueño. La obra central representa a un actor kabuki llamado Ichikawa Danjūrō, el noveno, que vivía en Meguro, y a la derecha hay una pintura de un puente de piedra llamado Taikobashi, que una vez cruzó el río Meguro.

Este espacio se ha convertido en un lugar para experimentar la historia y el encanto de la zona de Meguro a través de las pinturas de Kiyokata.

Una de las mejores atracciones arquitectónicas de esta sala son los nichos de madera en la sala principal, que se denominan «Troncos Kitayama de sidra naturalmente esculpidos y tallados». Si bien es cierto que vimos los troncos tallados en la cámara de Seikou, los troncos aquí presentan una irregularidad adicional en la corteza por ser troncos esculpidos y tallados, un tipo de madera muy valiosa de 3000 yenes en los principios de la era Shōwa (desde mediados de la década de 1920 hasta principios de la década de 1930). Esto significa que, en el momento en que una casa con jardín en Tokio rondaba los 1500 yenes, se podían comprar fácilmente dos casas con el precio de la madera.
La antecámara adopta una arquitectura de estilo sukiya que se inspira en una sala de ceremonia del té. Toda la madera que aquí se utiliza procede de América Latina.

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La sala Cumbre Icon 360

Originalmente, se planeó que esta cámara estuviera decorada en la obra de Gōun Nishimura, uno de los maestros del mundo del arte de Kioto, pero lamentablemente falleció antes de que pudiera comenzar su obra y el proyecto no se pudo llevar a cabo. Es quizás por ese motivo que el pilar en el nicho está hecho de madera negra de caqui, un material extremadamente famoso. Al final, varios pintores, que estudiaron bajo la tutela de Ryūshi Kawabata, completaron las pinturas en el techo.

Se podría notar que la escalera solo tiene 99 escalones.
Existen varias teorías acerca de por qué solo tiene 99 escalones. Por ejemplo, la antigua tradición china sostenía que los números impares eran más afortunados que los números pares. Otra posibilidad es que solo utilizaron 99 escalones porque 100 podrían considerarse como símbolo de la perfección y, si se ha alcanzado la perfección, todo lo que queda después es empeorar.

Aquí, en el Hotel Gajoen Tokyo, creemos que la escalera se construyó con 99 escalones para simbolizar que no tenemos que estar satisfechos con lo que hemos creado hasta ahora y siempre tenemos que esforzarnos por alcanzar mayores niveles de perfección.

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