À propos de Hyakudan Kaidan
L'ancien Gajoen a souvent été considéré comme un « grand magasin de décoration », ou le palais du Roi Dragon de l'ère Showa. Au moment de la création de l'ancien Gajoen en 1931, Tokyo se remettait du tremblement de terre dévastateur. Les maisons étaient minuscules et à peine équipées d'électricité et d'eau courante. Autrement dit, la moitié de la population menait une vie misérable. Dans ce contexte, les possibilités de décoration de maison dont disposaient les gens ordinaires étaient limitées. Pour ces gens, l'ancien Gajoen devait être un lieu féerique. Un endroit dans ce monde où l'on pouvait réaliser ses rêves et fantaisies.
Le fondateur avait commencé son activité en ouvrant un restaurant japonais de premier ordre. Puis il construisit un bâtiment annexe, avec des salles de banquet, des chambres d'hôtes, un sanctuaire, une église, un salon de costumes, un salon de beauté, et un studio photo afin de créer le premier complexe de mariage « Tout-en-un ».
En 1988, il nous a fallu démolir une partie de l'ancien Gajoen, en raison de la construction de la rivière Meguro, au moyen de l'étalement de sa largeur. La plupart des œuvres d'art ont été retirées du bâtiment pour être rattachées à la nouvelle construction. Aujourd’hui, seules Hyakudan Kaidan, et quelques pièces des bâtiments de l’ancien Gajoen subsistent encore. Ces dernières sont désormais considérées comme une partie des biens culturels du Japon. En 2009, Hyakudan Kaidan a été désignée « Patrimoine culturel matériel de la zone métropolitaine de Tokyo».
“The Jippo Room” doit son nom à Araki Jippo, le grand peintre qui a dessiné des images d'art dans cette chambre. Jippo est né dans la préfecture de Nagasaki en 1872 et est devenu élève, puis enfant adoptif d’Araki Kampo. Au cours de sa carrière artistique, Jippo a reçu le Silver Award à l'exposition de la Japan Art Society tenue en 1905. Puis, il est devenu juge de l'exposition d'art parrainé par le ministère de l'éducation appelé Bunten, de la deuxième exposition qui s’est tenue en 1910 aux autres qui suivirent, et a ensuite été désigné pour devenir membre de l'Académie impériale des beaux-arts en 1924. Au niveau international, Jippo s’est fait connaître pour sa contribution à la diffusion de tableaux japonais à l'étranger en présentant ses œuvres à la Louisiana Purchase Exposition de 1904. Il a remporté la médaille d'or à l'exposition anglo-japonaise de Londres en 1910 et a organisé activement des expositions d'art japonais en Chine et dans d’autres pays. Dans cette chambre, les fleurs et les oiseaux des quatre saisons de Jippo sont dessinés sur les 23 plaques de miroir partiellement adaptées aux portes coulissantes fusuma, composées de huit plaques au plafond de la pièce de devant et de 15 plaques dans la pièce principale. Dans ses dernières années, les dessins de Jippo étaient plus inspirés d’ombres noires comme en témoignent les tableaux réalisés avec pinceau de calligraphie, et leur influence se fait également sentir ici.
Le cadre de treillis est connu sous le nom de « plafond à caissons », et vous verrez que les portions de treillis ont été minutieusement décorées dans des raccords métalliques avec des fleurs émaillées créées à l'aide d'une technique appelée le cloisonné. Les œuvres de cloisonné - ou shippo-yaki en japonais - étaient généralement destinées à l'exportation au moment de la construction de Gajoen. Et même si ces œuvres étaient très précieuses, elles étaient rarement exposées au Japon. Cependant, le plafond de cette chambre est décoré avec plus de 750 de ces articles.
Une autre caractéristique de cette chambre est le travail de la nacre que l’on remarque dans les poutres du plafond et d'autres éléments structurels. La nacre est appelée raden en japonais, et elle est réalisée en découpant la face intérieure brillante des huîtres, autres mollusques et crustacés, en les coupant de façon à obtenir le motif voulu, pour enfin y encastrer des objets aux fins de décoration.
Ici, les coquilles ont été laquées, puis polies avec du charbon. Vous trouverez du travail de la nacre partout dans l'Hotel Gajoen Tokyo, et il est considéré comme l’une des caractéristiques de la décoration de l'hôtel. Vous trouverez des exemples de rinceaux scintillants dans les poutres et autour des dessus de mur légèrement en dessous des plafonds.
Le poteau en alcôve sur le côté gauche est appelé Araragi ; il est aussi connu sous le nom de «Ichi-i (de premier ordre). » L'âge du bois est d'environ 200 ans, et le diamètre près de 45 cm. Avant le vernissage, les branches sont coupées, arrondies et polies pour refléter la beauté de l'écorce d'origine. Le nom « Ichi-i » est tiré de l'épisode suivant : Il était une fois, un empereur qui avait reçu en cadeau une tige faite de ce bois en hommage et qui en était plutôt satisfait, donna à la tige le rang « Shou-ichi-i » le plus élevé.
Le pilier latéral droit es fait de prosopis et est appelé “Pau Brazil.” Comme son nom le suggère, ce bois a été importé d'Amérique latine. Du milieu des années 1920 à celui des années 1930, le Japon importait du coton du Brésil, et puisque cette matière est légère, d'énormes morceaux de bois ont été posés au fond du navire pour servir de ballast. Il parait que Rikizo Hosokawa observait ceux qui apportaient le bois et l’achetait uniquement pour la construction de Gajoen. À cette époque, certains types de bois tels que l'ébène, le bois de rose, et le bois Bombay étaient considérés comme des importations très précieuses. On dit qu'un marchand de bois avait demandé à Rikizo Hosokawa d'acheter des actions d'Amérique latine avant la chute du prix des matériaux de construction, car de grandes quantités de bois similaires étaient importées de la même région. Ainsi, Meguro Gajoen prit un grand nombre de bois d'Amérique latine, même si ces importations eurent lieu à une période où la situation mondiale avait évolué.
Les portes coulissantes - ou Shoji - montées contre le mur. Le style des cadres est connu sous le nom de hishigumi Kumiko, qui fait référence au motif de feuille de chanvre disposée géométriquement. La lumière qui traverse les shoji change subtilement lorsqu’on passe devant eux en pleine lumière, projetant une ombre, qui leur procure une beauté vraiment indescriptible.
Au sein du Gyoshō-no-ma, vous trouverez des sculptures partout, sur les piliers, les murs et les plafonds.. La plupart des chambres menant au Hyakudan Kaidan portent les noms d’artistes engagés pour les décorer, mais cette chambre tire son nom d'un fameux thème chinois appelé le « Dialogue entre le pêcheur et le Bûcheron », et les sculptures sur les piliers ici représentent cette histoire.
Le pilier gauche représente le pêcheur, tandis que le pilier droit représente le bûcheron. Les éléments de chaque sculpture contrastent avec ceux dans l'autre : rivière contre montagne, printemps contre automne, pêcheur assis contre bûcheron debout. À l'origine, le pêcheur et le bûcheron représentaient un désir de richesse spirituelle qui consistait à mener une vie tranquille, posée en pleine nature, et au Japon, on croit que cette histoire est probablement à l'origine des légendes sur les Chutes de Yoro et Urashima Taro.
Les deux piliers ont été fabriqués à partir de pièces uniques de cyprès japonais datant de près de 300 ans. Les sculptures dans cette chambre ont été taillées par le sculpteur Horei Sakari et inspirées des tableaux de Chikuha Otake. Les seuls tableaux ordinaires dans la chambre se trouvent sur les murs au centre de l'alcôve, à gauche et à droite des piliers. Ce sont des œuvres bijin-ga d’un peintre de la préfecture de Yamagata nommé Kashu Kikuchi.
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Examinez les panneaux dans la partie supérieure des murs. Ces panneaux sont appelés ranma, et ils représentent le gosekku - les cinq cérémonies organisées par le tribunal durant la période Heian.
Parlons un peu du gosekku pendant que nous regardons les œuvres. La première cérémonie est décrite juste au-dessus de l'alcôve, et elle a eu lieu le septième jour du Nouvel An lunaire - premier jour de l'année du Rat - un jour appelé jinjitsu. Ici, les participants tiennent de petits sapins, avec des racines, pendant qu’ils prient pour la longévité tout en ramassant les jeunes légumes verts.
Le festival est représenté sur le ranma au dessus du mur à droite. Ce jour a été appelé joshi, et il est tombé sur le troisième jour du troisième mois lunaire. Ceci est une représentation du festival de la pêche qui s’est tenue à l'occasion de Hina Matsuri ou Fête des filles.
De chaque côté de l'alcôve on trouve des scènes représentant la troisième cérémonie - tango - célébrée le cinquième jour du cinquième mois lunaire.
La quatrième cérémonie est Tanabata et elle a lieu le septième jour du septième mois lunaire, et elle est représentée sur le ranma au dessus du mur en face de l'alcôve. Pendant ce festival, les femmes nobles donnaient des offrandes aux dieux Orihime et Hikoboshi, brûlaient de l'encens, jouaient de la musique et appréciaient la poésie.
Elles faisaient des vœux en écrivant des poèmes sur les feuilles du mûrier à papier, considéré comme sacré depuis les temps anciens.
Enfin, sur le ranma près de l'entrée de la chambre on voit une représentation de la cérémonie du neuvième jour du neuvième mois lunaire - Choyo - période pendant laquelle les gens profitaient d’un saké servi avec des fleurs de chrysanthèmes et priaient pour une vie longue.
Dans la Sōkyū-no-ma. On voit le Mont Fuji depuis cette chambre par temps clair, et il était très prisé pour les réunions de l'après-midi. Veuillez continuer dans la chambre pour observer les tableaux sur le ranma, qui constituent l'œuvre de l'artiste Sokyu Isobe.
Cette chambre a été séparée en une pièce de devant et une pièce principale, et les tableaux de ranma dans les deux pièces étaient différents : un gros plan sur les tableaux de la pièce de devant et une vue lointaine de ceux de la pièce principale.
Sur le mur de la première pièce de devant est peint un sapin épais au centre d'une scène en bord de mer. Les coups de pinceau puissants effectués pour représenter les branches du sapin auraient été une caractéristique des œuvres de Sokyu. La campagne et les paysages marins dans la pièce principale créent une ambiance avec vue panoramique. On voit aussi les saisons de l’année dans les paysages, des riches champs verts et rizières, à la récolte du riz de l'automne, et au sol recouvert de neige en hiver.
Regardez un peu le plafond, vous remarquerez que les tableaux dans la pièce de devant et ceux dans la pièce principale ont été réalisés avec des thèmes différents. Des deux côtés, les tableaux ont été réalisés dans le style plafond à caissons de treillis, mais dans la pièce de devant on trouve des fleurs, tandis que dans la pièce principale, on trouve des oiseaux.
Les oiseaux ont été peints en accordant une attention particulière au détail, et même aujourd’hui leurs formes intenses donnent l’impression qu’ils vont descendre du plafond.
Les piliers sont faits en bois provenant du sophora du Japon. Dans l’ancienne Chine, chaque fois qu’un membre du tribunal accédait à un rang plus élevé, un sophora du Japon était planté dans son jardin. Ainsi, ce geste était conçu comme un révélateur de statut, plus il y avait des arbres, plus le rang de la personne était élevé.
La coutume au Japon était de faire des masques démoniaques en bois de sophora du Japon pour servir d’amulettes contre le mal, et dans les différentes régions du pays, l'arbre aurait été un symbole de chance qui faciliterait l'accouchement ou donnerait une longue vie.
Alors que les autres chambres sont assez spacieuses avec environ 77 mètres carrés, de la Seisui-no-ma aux autres qui suivent, les chambres sont réparties en deux pièces, chacune d'environ 20 mètres carrés. Cette chambre porte le nom du peintre né à Hiroshima Seisui Hashimoto, mais en réalité, les tableaux sont l'œuvre de cinq artistes différents. Les documents montrent que les travaux de Shūhō Yamakawa ont également servi à orner les murs de cette chambre, mais à un moment donné, les tableaux ont été changés, en Seisui-no-ma.
Au plafond de l'antichambre juste à l'entrée de la pièce on trouve des tableaux d'oiseaux et de fleurs réalisés par Seisui, représentés dans des éventails en papier et dans des couleurs glorieuses.
Au plafond de la chambre du fond, on retrouve des phénix chinois, des grues qui dansent, et d'autres images fastes peintes par l'artiste Shūho Ikegami. Les tableaux sur le ranma étaient réalisés par Taigetsu Koyama, qui représente les plantes d'automne en utilisant la feuille d’or.
Le pilier dans l'alcôve, est faite du tronc non équarri d'un chêne-liège Amur. Dans l'antichambre, le pilier est constitué d'un modèle de sapin dont les racines de chaque branche sont encore visibles, ce qui donne encore plus de profondeur au pilier. La jonction entre la forme complexe du pilier et la poutre carrée illustre la grande habileté de l'artisan qui l’a réalisé.
Le décor à l’intérieur de Seikō-no-ma est l'œuvre du peintre de Kyōto Seikō Itakura, spécialiste du type de tableau appelé bijin-ga, ou « portraits de belles femmes. » L'artiste a doté la chambre de tableaux ayant pour thème les saisons de l'année. Des fruits auspicieux tels que la pastèque et le kaki sont peints sur le ranma de l'antichambre, et on y voit également des grillons et des mantes. Le ranma dans la chambre suivante représente des aliments saisonniers tels que l’ayu, le flet et les pousses de bambou.
Au plafond, dans la deuxième pièce, intitulée « Paniers de fleurs des quatre saisons, » on voit des paniers remplis de fleurs de chaque saison, avec des cerisiers en fleurs pour le printemps, des iris et de l’hydrangea pour l'été, des chrysanthèmes pour l'automne, et des pivoines pour l'hiver. Ce qui rend ces tableaux très spéciaux, c’est qu’ils ont été réalisés avec des pigments d'origine minérale ultra-résistants. Cela explique pourquoi même aujourd’hui, des années après la réalisation de ces tableaux, les couleurs sont beaucoup plus vives que celles observées dans les autres chambres.
La Seikō-no-ma a un plafond plus bas que celui des autres chambres de Hyakudan Kaidan. Les poutres et les piliers sont tous des morceaux de bois non équarris et les tableaux de ranma sont de faible hauteur et ont des angles arrondis, ce qui permet d’atténuer le caractère oppressif des plafonds plus courts. Les images familières et l'attention particulière des artisans qui ont construit la pièce, s’associent pour créer un espace offrant un vrai confort.
Cette chambre est l'œuvre du maître de Nihon-ga moderne Kiyokata Kaburagi. Traduit littéralement, le terme Nihon-ga signifie « tableaux de style japonais. »
Commençons par les tableaux de ranma. Dans la pièce principale se trouvent quatre œuvres intitulées « Les belles femmes des quatre saisons. » Au-dessus de l'alcôve, on voit la scène d'une pièce de théâtre kabuki appelée Musume-dōjō-ji qui se tient au printemps sous les cerisiers en fleurs. À sa gauche, on retrouve une scène où des personnages tentent d’attraper des lucioles et le ranma encore plus à gauche représente le chagrin d'automne. L'image finale représente une femme marchant sous la neige en hiver. Ces chefs-d'œuvre démontrent tous l'habileté qu’avait Kiyokata à peindre du bijin-ga.
Regardons de près les œuvres dans l'antichambre.
Kiyokata aimait les vestiges qui faisaient le charme de l’ère Edo qu’on pouvait retrouver autour de Meguro, et il parait qu’il les intégrait souvent comme thèmes dans ses œuvres. Voici ici quelques-unes de ces œuvres liées à Meguro.
Tout d'abord, il y a deux tableaux de ranma au-dessus des étagères. Celui à droite représente Gyōninzaka, la colline allant toujours de la gare de Meguro à cet hôtel, et le tableau contient également des images de pousses de bambou, un produit qui faisait la renommée de Meguro.
Le tableau à gauche représente Shirai Gonpachi, le personnage principal d'une pièce de théâtre de kabuki, vêtu d'un kimono de couleur lavande. La pièce raconte l'histoire d'amour d'un homme du nom de Gonpachi et d’une courtisane Yoshiwara nommée Komurasaki. Cette histoire connut un grand succès et fut représentée dans de nombreuses œuvres d'art. Shirai Gonpachi existait vraiment, et un monument en pierre dressé à sa mémoire se trouve au temple Ryusen-ji. Ce dernier est dédié à la divinité bouddhiste Acala, que les japonais appellent myōō myo-o-. Les iris violets qui fleurissent sous les pieds de Gonpachi dans ce tableau symboliseraient son amour pour Komurasaki - un nom qui signifie « petite violette ».
Regardez maintenant les étagères, puis tournez-vous vers les tableaux de ranma sur le mur à votre gauche. À partir de l'œuvre à gauche, on voit un jeune, Yuten - le fondateur du temple Yuten-ji - dans une scène représentant la légende de Fudō Myō-ō apparaissant en rêve devant Yuten. L'œuvre centrale représente un acteur de kabuki nommé Ichikawa Danjūrō neuvième, qui vivait à Meguro, et à droite on retrouve le tableau d'un pont de pierre appelé Taikobashi qui croisait autrefois la rivière Meguro.
Grâce aux tableaux de Kiyokata, cet espace est aujourd’hui un lieu où l’on peut découvrir l'histoire et le charme de la région de Meguro.
L'une des plus grandes attractions architecturales dans cette chambre demeure les poteaux en alcôve de la pièce principale, appelés aussi les « Rondins en saillie naturellement sculptés de Kitayama Cider. » Même si nous avons également vu des rondins en saillie dans la Chambre des Seikou, ces rondins présentent quelques irrégularités sur l'écorce appelées rondins en saillie sculptés, c’est-à-dire un type de bois très précieux qui coutait 3000 yens au début de l'ère Showa (vers le milieu des années 1920 au début des années 1930.) Cela signifie qu’à l’époque où la maison avec jardin à Tokyo coutait environ 1500 yens, il était possible d’acheter deux maisons facilement avec l’argent du bois.
L’antichambre adopte le style d'architecture Sukiya inspiré d'une salle de cérémonie du thé. Le bois utilisé ici provenait d'Amérique latine.
À l’origine, cette chambre devait être décorée avec des œuvres de Goun Nishimura, l'un des maîtres du monde artistique de Kyōto, mais il est malheureusement décédé avant le début des travaux et le plan n'a pas pu être mené à bout. C’est peut-être la raison pour laquelle le pilier dans l'alcôve est en bois de plaqueminier noir, un matériau qui est apparemment très populaire. Au final, les tableaux du plafond ont été complétés par plusieurs peintres disciples de Ryūshi Kawabata.
On remarque que l'escalier n’a que 99 marches.
De nombreuses théories circulent pour expliquer ces 99 marches. Par exemple, dans la tradition de l’ancienne Chine, on considérait que les nombres impairs portaient plus bonheur que les nombres pairs. L’autre possibilité est qu’ils se sont arrêtés à 99 marches pour éviter le nombre 100 qui pourrait symboliser la perfection, car si on atteint celle-ci, tout ce qui vient après c’est la détérioration.
Ici, à l'Hotel Gajoen Tokyo, nous pensons que l'escalier a été construit avec 99 marches pour symboliser qu’il ne faut pas se satisfaire de ce qu’on a déjà créé - il faut toujours s’efforcer d'atteindre le plus haut sommet de la perfection.
